我們怎麼看 AI 在影像創作中的角色
混合式創作會是未來嗎？
每個影像創作者都有一張清單，上面寫著想放進鏡頭裡卻沒能做到的東西：場景、佈景、服裝、天氣、光線，或是多一個幫手。關於 AI 影片的討論，大多圍繞著一個問題：它會不會取代實拍？我們認為這個問題問錯了。更值得問的是：那張清單會變成什麼樣。
就算完全不用 AI，影像創作者也能拍出好看、耐看的作品。但腦中想像的，永遠比最後出現在螢幕上的多。如果有更多時間、更多預算或更多力氣，他們會走得更遠：更好的場景、更好的光、更多演員、更大膽的運鏡。一路走來，想像總是被刪減到符合現實條件。
這就是我們所說的混合式工作流程。你繼續做自己熟悉也熱愛的部分，而那些沒能進到畫面裡的想像，事後再用 AI 補完。你拍攝真實的素材，最終影片則以這些素材為基礎生成。我們相信這是在影片中運用 AI 最好的方式，這一頁上的每個範例都是這樣做出來的。
繼續往下讀之前，先看看上面的範例。一邊是我們拍的，另一邊是我們發布的。我們自己決定的部分，兩邊都有；我們原本拿不到的，只出現在其中一邊。這篇文章接下來會說明為什麼這樣做行得通。
運作原理
你留下的空白，模型都會補上
我們大多數人第一次接觸 AI 影片的方式就錯了。當時大家介紹它的方式，是一種全有或全無的技術：輸入一段提示詞，整支影片就從另一端產出。老實說，對我們這樣的人來說，這很難接受。我們本來就做得好、也樂在其中的事，並不需要別人來接手。
當時我們沒看清楚的是，我們看到的只是一個很寬廣範圍的其中一個極端。在那一端，輸入提示詞就能生成整支影片；對完全沒有攝影機的人來說，那一端確實是一扇門。但 AI 在影片中的應用不是開關，而是一個範圍，你想用多少就用多少。只是當初沒人這樣介紹它，所以大多數人從沒找過中間地帶。
背後的規則很簡單：你留下的空白，模型都會補上。只給它一句話，它就補上一切：攝影機、演員、節奏、空間。給它一部完成的影片，它就沒有東西可以補。這兩端之間的一切都是混合式，而你要站在哪裡，是每一個鏡頭都由你決定的事。
你帶到拍攝現場的每一樣東西，都讓模型少一件需要憑空創造的事。
混合式工作流程
從你手上已有的影片開始
你真的去拍這場戲。真實的攝影機、真實的鏡頭、真實的移動、真實的節奏，鏡頭前的一切也真的存在。接著把素材交給 AI，請它補完這個鏡頭：改變環境、服裝、道具、燈光、時代，甚至角色，同時保留你拍下的動作與節奏。關於最後一點，要老實說一句：改變畫面中的人物，必須事先取得演員的同意，而不是擅自對他們這麼做。
如果你拍過底片，這個比喻再明顯不過。拍攝就是你的底片，AI 處理就是你的暗房。底片保存了那個瞬間所有真實的部分，暗房決定世界如何看見它。沒有人會說暗房是照片的作者，因為照片最重要的部分早就已經完成了。
這一頁的範例，是用我們當時手邊的資源拍的：一間攝影棚、我們自己的器材、一個小團隊。拍出來的畫面並不像我們心中想像的影片，本來也不需要像。我們把力氣放在運鏡，以及鏡頭前發生的事。看看完成版與原始素材之間的對應有多清楚。
從一邊延續到另一邊的所有元素，都是我們在拍攝現場做的決定。
為什麼可行
說清楚你要什麼，最精確的方式
創作上的掌控，歸根究柢只取決於一件事：你能多精確地告訴模型你要什麼。而你手上最精確的語言不是文字，是影片素材。
模型會把你的素材當成結構來讀取：動態、節奏、構圖，以及場景的空間幾何。這些全部保留。模型生成的是外觀：材質表面、光線、臉孔、環境與氛圍。所以當你交給它素材時，你不是在描述鏡頭，而是直接把鏡頭拿給它看。攝影機在哪裡、鏡頭前發生了什麼、何時發生，都不再有誤解的空間。
即使是沒拿過攝影機就開始做 AI 影片的人，這點也很重要。只靠文字看起來比較輕鬆，但你想要的每一樣東西都得寫下來，模型只能從你的句子去猜。試一次、看結果、調整、再試一次。AI 影片並不是免費的，所以每一次嘗試都有成本。
一台攝影機，不管哪一台，都能改變這件事。拍一段參考畫面並不是額外的工作，而是表達你想法最直接的方式。從真實世界收集得越多，模型需要猜的就越少。對大多數影片來說，這樣做的結果往往比全部從文字生成更好，也更省錢。就算你從沒打算拿起攝影機，也值得想一想。
素材與成品之間的一致性，不是我們刻意下功夫做出來的。輸入的就是同一批畫面。
人的核心
這份禮物：真實得以留存
這套工作流程還能給你一樣東西，而且沒有人會把它列進預算表。
老實說，看到完全沒有實拍的影片時，很多人都會感到不太自在。原因不是畫面瑕疵，那些正迅速消失；而是影片背後沒有一個真實的瞬間。沒有人站在哪裡，沒有人看著誰，也沒有任何東西真的移動過。觀眾就算說不出來，也感覺得到。真正讓人擔心的不是 AI 能做影片，而是影片不再和任何真實發生過的事有所連結。
如果你沒辦法實拍，就無法擁有這份連結，作品只能用其他方式打動人。很多作品也確實做到了。但如果你有攝影機，就能保住這份連結，而且幾乎不需要付出代價。這一頁的每個範例中，你看到的動作就是真實發生過的動作，節奏也是真實的節奏。
保留多少真實，是一個旋鈕，而不是開關。在一端，你可以把它當成看不見的合成工具：鏡頭幾乎完全照實拍保留，只改動 VFX 工作室原本會改的部分，例如背景、道具或天空。在另一端，你可以改變畫面中所有看得見的東西，只保留人的核心：動作、表演與時間。每個鏡頭要落在這個範圍的哪個位置，由你決定。
運鏡
攝影機的去向，也是故事的一部分
攝影機放在哪裡、怎麼移動，從來不是裝飾，而是影片與觀眾溝通的主要方式之一。運鏡對觀眾的作用，就像演員一樣。它告訴觀眾該看哪裡、按什麼順序看；告訴他們什麼重要、什麼只是背景。它營造氛圍，也決定觀眾透過誰的眼睛在看。不論觀眾有沒有察覺，它都在起作用。
這也是影像創作的主要內容。拿掉場景、佈景、服裝和燈光，剩下的就是畫面的功夫：走位調度、構圖與運鏡。決定每個畫面裡有什麼、什麼時候動、接下來往哪裡去。這正是影像之所以是影像而不是劇場的原因，也是影像創作者花了多年學會的部分。
所以當你把製作的一部分交給 AI 時，這一部分值得留在自己手上。運鏡可以生成，而且常常看起來很有說服力。但適用於素材的邏輯在這裡同樣成立：你想要的運鏡，最精確的版本就是你親手做出來的那一個。你的節奏、你的停頓、你進入轉彎時的速度。用真實攝影機完成的運鏡，帶著器材的重量、啟動它的那隻手、它穿越的空間，而這些都不需要描述，它們本來就在那裡。
我們也該坦白自己的立場。edelkrone 建立在一個信念上：畫面是故事的一部分，攝影機往哪裡走，決定了觀眾的感受。我們做的每一項產品都源自這個信念。所以在這個論點上，我們顯然有自己的利益。即使如此我們還是要說，因為這是我們最深信的事，而捍衛它既是我們的工作，也是我們的樂趣。
實際應用
如果你在做影片，這代表什麼
如果這一頁你只記得一件事，請記住這一點：問題不在於要不要用 AI，而在於要留下什麼給它。凡是你能拍、也想拍的，都親自拍下來：表演、構圖、運鏡，以及任何你有能力做到的部分。然後讓模型補完你做不到的。你帶到拍攝現場的越多，模型需要猜的就越少，完成的影片也就有越多部分屬於你。
這件事還有更大的一面，也是我們最期待的部分。自有電影以來，最後出現在螢幕上的，都是某個人腦中想像的縮減版，而大多數人也把這當成創作必須付出的代價。這道限制正在解除，而且最先受惠的，是那些過去從來沒有機會的人。我們即將看見許多截然不同的想法，這個改變比這一頁介紹的任何工具都還要大。
攝影機依然重要，表演依然重要，導演依然重要。對熱愛用攝影機創作的人來說，這正是再好不過的消息。
保留你熱愛的，補完你做不到的。
